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Einführung

Der Florentiner Maler Sandro Botticelli (1445-1510) gilt als einer der bedeutendsten Künstler der Renaissance. Seine Gemälde wurden vielfach reproduziert und interpretiert, seine Motive häufig aufgegriffen und verfremdet. Als selbstständige neue Werke gehen sie inzwischen eigene, von den Originalen getrennte, Wege. Sie können so weit von den Bildern Botticellis wegführen, dass der Name des Malers heute beispielsweise für Mode und Lifestyle stehen kann, ohne dass überhaupt von seiner Malerei die Rede ist. Produkte werden nach ihm benannt, Inszenierungen der Populärkultur folgen seinen Mustern, und einzelne seiner Figuren – allen voran die „Venus“ – sind Teil eines universalen Bildgedächtnisses geworden.

Die heutige Berühmtheit Botticellis ist nicht selbstverständlich. Nach seinem Tod zunächst vergessen, wurde er erst im 19. Jahrhundert wiederentdeckt. Die englische Künstlerbewegung der Präraffaeliten und ihre Bewunderung für Botticelli war ein maßgeblicher Faktor für den Beginn dieser faszinierenden Renaissance, die immer mehr Kunstschaffende und ein stetig wachsendes Publikum in ihren Bann zog.

Seither ist Botticellis Werk sehr unterschiedlich interpretiert  worden. Aus heutiger Sicht wirft es eine Vielzahl von Fragen auf: Wie erlangte der Maler den Status universaler Berühmtheit? Wie wurde er zur Pop-Ikone? Warum gelten seine Werke als zeitlos und in einer Weise „europäisch“, dass sie sogar auf Euromünzen erscheinen? Mit Sicherheit lässt sich sagen, dass Botticelli wie kaum ein zweiter Altmeister die Kunst der Moderne und der Gegenwart inspiriert.

Die Ausstellung verfolgt diese bewegte Geschichte der wechselnden Aneignungen und Neubewertungen bis in die Gegenwart. Erstmals wird das Schaffen Sandro Botticellis – mit mehr als 50 Werken – in einer Ausstellung in Bezug gesetzt zu seinen Aneignungen und Interpretationen. Insgesamt sind rund 150 Exponate zu sehen, darunter zahlreiche Meisterwerke aus den bedeutenden Sammlungen der Welt, beispielsweise von Edgar Degas, Edward Burne-Jones, Dante Gabriel Rossetti, René Magritte, Andy Warhol, Cindy Sherman und Bill Viola. Neben Gemälden präsentiert die Ausstellung Zeichnungen, Skulpturen, Fotografien, Videos sowie Objekte aus Mode und Design.

Auch was das Webdesign angeht, nutzen viele Webmaster die künsterlischen Züge von Botticelli für sich. Das ausgeprägte Gespür für Farben und Bilder fasziniert viele Webseitenbetreiber und setzen dieses Wissen in marketingstrategische Maßnahmen um. Farben haben einen direkten Einfluss auf die Interaktionen auf einer Seite. Vorallem Kaufen Button oder der Warenkorb Button sind auf den meisten Seiten so hervorgehoben, dass diese direkte Interaktionen auslösen und die Conversion der Seite ungemein steigern. Webdesign ist demnach in gewisser Weise eine Kunst. Denn es geht schon beim Logodesign los. Das Logo ist unter anderen das wichtigste Identifikationsmerkmal einer Marke.

Sehen sie beispielsweise das Coca Cola Logo wissen sie immer genau was gemeint ist. Nun, gut man könnte sagen, der Name steht ja auch im Logo. Doch wie ist es beispielsweise mit der Muschel der Tankstelle Shell? Oder das pinke T von der Telekom. Deshalb geht es schon beim Logo los. Denn wenn dieses einprägsam ist, können sich die Leute die Marke schneller merken. Doch dies hat im weitesten Sinne auch etwas mit der Nutzerbindung zu tun. Ich beispielsweise sehe beim Besuch einer Website erst einmal das Gesamtbild – so wie die Seite sich eben öffnet. Der Header einer Seite springt dort als erstes ins Auge. Das „Problem“ ist, dass im Header fast immer das Logo zu sehen ist. Sieht dieses einfach nicht schön aus oder ist unscharf, macht keinen Sinn oder was auch immer, ist die Absprungrate eventuell gefährdet. Bei einem Webauftritt muss fast alles stimmen. Dazu benötigt man jedoch eine Webdesign Agentur, welche so etwas professionell durchführt. Wenn man versucht sich das Wissen selbst anzueignen, bräuchte man wahrscheinlich Jahre. Doch was haben Botticelli und Webdesign denn nun gemeinsam? Das Design eines Internetauftritts ist die Kunst im 21. Jahrhundert. Die Webpräsenz ist entscheidend für den Erfolg. Was Damals noch als Kunst galt ist heute nur noch für einige Bevölkerungsschichten zeitgemäß. Doch es ist definitiv beides KUNST!

Künstlermarkt in Berlin

Die deutsche Kunstwelt hat in diesem Herbst mit der neuen Messe Art Berlin, einem Joint Venture der ehemaligen Konkurrentin Maike Cruse, der Direktorin der nicht mehr existierenden Art Berlin Contemporary (ABC) und Daniel Hug, dem Direktor der ehrwürdigen Kunst, ihren kollektiven Atemzug gehalten.

Laut einer Stadtbefragung lebten 2010 mehr als 6.000 Künstler in der deutschen Hauptstadt, darunter große Namen wie Olafur Eliasson, Monica Bonvicini und Katharina Grosse. Rund 15% der Aussteller kommen auf der Art Basel aus Deutschland, in den letzten zehn Jahren vor allem aus Berlin. Diejenigen im Rheinland, traditionell das Zentrum des Sammelns, sind durch ihre zentrale Lage privilegiert, nie mehr als einen Tagesausflug von einer Galerienmesse oder Messe in Europa entfernt. Angesichts des Kalibers seiner Schulen, Institutionen, Galerien, Kuratoren und Sammler sowie der Stärke seiner Wirtschaft sollte Deutschland ein Riese auf dem Kunstmarkt sein. Aber das ist es nicht: Sein Anteil am globalen Kunstmarkt liegt bei nur 2% bis 4%. Es spricht Bände, dass bei all ihrer internationalen Expansion keine der Megagalerien – Gagosian, Hauser & Wirth, David Zwirner, Pace – nach Deutschland gewandert ist.

Doch diese Bedingungen haben nicht mehrere Messen gestoppt, die versuchen, den Markt mit unterschiedlichem Erfolg zu beleben. Auf der Art Berlin (14.-17. September) gab es 33.000 Besucher, eine leichte Steigerung gegenüber den ABC-Zahlen. In diesem Monat wird jedoch die erste Ausgabe eines neuen Anbieters, die Art Düsseldorf (17.-19. November), die zweite einer Reihe regionaler Messen, nach der India Art Fair, die von der Muttergesellschaft MCH Group, der Art Basel, erworben wurde. Einschließlich der Art Karlsruhe (22.-25. Februar 2018) mit mehr als 200 Ausstellern hat Deutschland jetzt vier große Messen für moderne und zeitgenössische Kunst. Können sie alle überleben?

Diese Fragmentierung hat in der Vergangenheit gegen den deutschen Künstlermarkt gearbeitet. Im Jahr 2007 eröffnete Daniel Hug, die Frankfurter Kunstmesse, Düsseldorf Contemporary und Art Brussels in derselben Woche wie die Art Cologne – und alle drei Wochen nach dem Debüt der Art Karlsruhe. „Das war eine Katastrophe von Mega-Ausmaßen – die Messe hatte noch nie so wenige Besucher erlebt“, sagt Hug, der die Art Basel beschuldigt hat, in seinem Revier mitzumischen. „Der Unterschied heute ist, dass anders als 2007, als die Art Cologne einen qualitativen Tiefstand hatte, die Messe heute noch nie stärker war.“ Mit der Datumsverteilung fügt er hinzu: „Ich denke nicht, dass der Zusatz von Düsseldorf wird direkte Auswirkungen haben. „Maike Cruse ist großzügiger. „Generell ist jede erfolgreiche Kunstmesse in Deutschland eine gute Sache, weil sie die Galerien unterstützt“, sagt sie. Ob über eine Messe oder eine Veranstaltung wie Berlins Gallery Weekend, die Cruse auch im April leitet: „Unser Ziel ist es, den deutschen Markt gemeinsam zu stärken.“
Die Veranstalter der Art Düsseldorf scheinen dies anzuerkennen. Laut Marco Fazzone, dem Geschäftsführer für Design und regionale Kunstmessen der MCH Group, „ist es nicht das Ziel, die global ausgerichtete, führende Art Basel Show nachzuahmen oder zu konkurrieren“. Stattdessen hofft er, dass sich die Art Düsseldorf und ihre Nachfolger „auf der Grundlage ihrer eigenen spezifischen DNA und ihrer Unabhängigkeit weiter entwickeln und zur Stärkung der wichtigen und vielseitigen regionalen Kunstmärkte beitragen“.
Die Organisatoren betonen, dass „regional“ nicht „provinziell“ bedeutet. Von den 80 Galerien der ersten Ausgabe der Art Düsseldorf kommen nur zehn aus der Stadt und zwölf aus Köln sowie internationale Händler wie David Zwirner (London und New York), Peter Kilchmann (Zürich), Daniel Templon und Kamel Mennour (Paris). Walter Gehlen, Mitbegründer und Leiter der Messe mit Andreas Lohaus, sagt: „Wir setzen Düsseldorf in den überfälligen Kalender, da die Stadt die zeitgenössische Kunstgeschichte maßgeblich beeinflusst hat und immer noch beeinflusst. Es ist keine Win-Lose-Konkurrenz. Die Art Düsseldorf erwirtschaftet keinen Umsatz mit den Ausstellern der Art Cologne, der Umsatz im Rheinland wird im Herbst gehalten – Verkäufe, die anderswo gemacht worden wären, auf einer der 150 Kunstmessen weltweit. “
Obwohl sich Messen als der dominierende Marktkanal für vielbeschäftigte Sammler erwiesen haben, ist Übersättigung ein Problem. Der in Berlin lebende Christian Kaspar Schwarm ist einer der prominentesten Sammler Deutschlands und Mitbegründer der Online-Community Independent